andrOmeda:: PINTURA

*Un saludo desde el Arte "500 AÑOS DE RETRATOS FEMENINOS"

Fri, 07 Mar 2008 20:30:34 GMT

apaga la música del espacio, para escuchar la del video.

500 Años de Retratos de Mujer en el Arte Occidental.
500 Years of Female Portraits in Western Art.
Es una bella muestra, hecha con profesionalismo y arte. a mi por lo menos .. me emociona.

Música: Bach's Sarabande de la Suite para Solo de Cello No. 1 in G Major, Interpretada por Yo Yo Ma

http://culturalibre.spaces.live.com/blog/cns!788BE90293E99C57!523.trak

Un picassiano ramo de flores para ti ... que lees mi blog

Mon, 09 Apr 2007 09:00:59 GMT

..prueba de tabla / fondo de página

Sun, 08 Apr 2007 21:17:31 GMT

José García R

1982

LIBERTAD - JOSÉ GARCÍA

Wed, 04 Apr 2007 05:40:05 GMT

Painting is silent poetry, and poetry is painting that speaks. -

La pintura es la poesía silenciosa, y la poesía es la pintura que habla

Plutarco

LIBERTAD

Pintor: José García Ramos.

El Pepe, el Pepillo,el Garcei, el Chef, el de las manos mágicas,el que hacía pan de la nada, el brigadista pintando en Europa, en el exilio,- a se vez él - hijo de aquellos españoles republicanos que se exiliaron en Chile al tomar Franco el poder en España , el alumno del Bellas Artes, también su profesor, el hombre inteligente, claro, transparente, solidario, sensible, escritor maravilloso,el irónico, él y su capacidad de análisis,el que te deja pensando tantas cosas .. como qué habría pasado con Él si la puta vida nos hubiera llevado por otros caminos, sin todos los quiebres que hubo en ese andar - en los que no todos tuvieron la capacidad de enfrentarlos de buena manera, darlos vuelta a su favor y volver a pararse en dos patas y seguir la ruta trazada algún día o tener la cualidad de improvisarla - ... sus muchos intentos fueron fallidos, pero no es el tiempo ahora de hablar o analizar.

Ha sido (a pesar .. de no estar juntos)

el hombre más importante en mi vida,

el más amado,

el más admirado,

el más .. de muchísimas cosas más.

LEJANA Y AUSENTE

RIEGO TUS PLANTAS CON CARIÑO PORQUE SON TUYAS, ES LA SOLA CARICIA QUE PUEDO HACERTE A LA DISTANCIA. CUANDO TE ALEJAS, DEJAS UNA EMBAJADA DE OBJETOS QUE TE REPRESENTAN. SON LOS AGITADORES DE LA NOSTALGIA; SON LOS OBJETOS CORRIENTES, PERO SOLO TU MANO LOS ANIMA . LA MÍA LOS TOCA Y ENTONCES CONOCE LA AUSENCIA QUE ENSOMBRECE A ESTA CASA.

¿CONCEPCIÓN ESTÁ EN EUROPA?

PAREZCO EL HABITANTE DE UN BODEGÓN; CENICEROS ESPERANDO QUE LOS ORDENEN EN DESFILE , BATAS VACÍAS QUE CUELGAN MUSTIAS, LIMONES QUE EMPALIDECEN, ZORZALES QUE VIENEN A SABER SI LLEGASTE, FOTOS QUE MIRAN A NADIE, LIBROS MUDOS, PÁJAROS AZULES QUE NO PARPADEAN, LOS MANTELES ASFIXIADOS EN UN CAJÓN, LAS SILLAS SENTADAS Y LA MESA BOCA ABAJO EN CUATRO PATAS. TODO SUMERGIDO EN UN SILENCIO QUE SOLO DEJA PASAR LA LUZ Y LA SOMBRA.

POR LA NOCHE, A LAS DOS Y CUARTO VOY HASTA EL GRAN ESPEJO DEL BAÑO PARA VER SI APARECE TU IMAGEN, UN SEMI-CALVO HACE LOS MISMOS OJOS QUE YO Y ME MIRA CON CARA DE PREGUNTA .

RIEGO TUS PLANTAS CON CARIÑO PORQUE SON TUYAS Y EL SONIDO DEL AGUA TE TRAE DE NUEVO A MÍ

J. el Garcei

TOULOUSE LAUTREC / OTRA LECCIÓN DE HIST. DEL ARTE .. a pedido

Tue, 20 Feb 2007 00:51:36 GMT

Henri Marie Raymond Toulouse-Lautrec
Nacionalidad: Francia
Albí (1864) - Malromé (1901)
Estilo: Neo-Impresionismo

Alrededor de la vida de Henri de Toulouse-Lautrec existen muchos tópicos, ciertos en la mayor parte de los casos. Los mitos de Lautrec, especialmente su incapacidad para mantener una relación estable con las mujeres debido a su inseguridad, son conocidos por una amplia parte del público, incluso a través del cine. Estas inseguridades y frustraciones llevarán a Henri a desarrollar en la pintura una vía de escape, una forma de evasión de la misma manera que harán Gauguin o su buen amigo Van Gogh. Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec-Monfa nació el 24 de noviembre de 1864 en el Hôtel du Bosc, en el centro de Albi. Sus padres eran primos hermanos y ostentaban el título de condes de Toulouse; eran bastante ricos e influyentes en la ciudad pero carecían de poder a escala nacional. Henri era el primogénito, naciendo cuatro años más tarde su hermano Richard-Constantine, que falleció a la edad de un año. La situación familiar no era muy estable debido a la incompatibilidad de caracteres de ambos cónyuges lo que motivó su separación en el mes de agosto de 1868 quedando Henri al cuidado de una institutriz. A los ocho años, el pequeño Henri se traslada a París con su madre, iniciando sus estudios en el Lycée Fontanes. Ya en estos años inicia su relación con la pintura al elaborar dibujos y caricaturas, recibiendo sus primeras lecciones de René Princeteau, pintor de animales y amigo del conde. En 1874 se empiezan a manifestar las primeras dificultades motrices, lo que obligó su retirada del colegio para ser sometido a tratamiento médico, trasladándose a Albi. La madre del pintor recorrerá todos los especialistas para curar la dolencia del pequeño, sin encontrar una solución. La enfermedad que padecía Henri era totalmente desconocida en el siglo XIX, denominándose actualmente picnodisostosis, desorden genético provocado por la consanguinidad de los padres que afecta al desarrollo de los huesos. Ésta es la razón por la que Toulouse-Lautrec apenas creció en la adolescencia. A esta dolencia debemos añadir dos fracturas en los fémures de ambas piernas entre mayo de 1878 y agosto de 1879. Desde este momento sus piernas dejarán de crecer, alcanzando una altura de 1,52 metros. Durante aproximadamente dos años Henri estuvo casi inválido, desarrollándose en el joven un acentuado interés por el arte y la pintura, continuando con su faceta de dibujante. La lectura será su otra gran afición en estos dos largos años de convalecencia. En 1881 Toulouse-Lautrec se traslada a París donde se decide a ser pintor apoyado por su tío Charles y por el maestro Princeteau. Su madre cede, recibiendo las primeras clases en el taller de Princeteau en el invierno de 1882 donde conoce a Jean-Louis Forain. En abril es aceptado en el estudio de Léon Bonnat, retratista de moda en aquellos momentos, donde Lautrec perfeccionó su dibujo. Pero Bonnat cerró su taller en septiembre de ese movido año 1882, lo que motivó que todos sus alumnos tuvieran que buscar un nuevo maestro. El elegido es Ferdinand Cormon, en cuyo taller Henri conocerá a Émile Bernard y a Vincent van Gogh. El joven Lautrec desea continuar por los canales oficiales para obtener el máximo éxito artístico; quiere ser un pintor convencional continuando el Realismo de sus maestros, como se aprecia en las obras de esas fechas: El joven Routy o Una carretada. El joven Toulouse-Lautrec participa en la división que afectará a los impresionistas en aquellos momentos, alineándose con la pintura de Degas y su temática más urbana para alejarse de los paisajes que interpretaban Monet, Pissarro o Renoir. El arte de vanguardia también le atrae de manera puntual, probando con el Puntillismo, que no llega a convencerle. Sentirá una especial atracción hacia la pintura de Forain y sus escenas de camerinos, prostitutas, cafés o artistas. De manera definitiva, Lautrec se convertirá en el pintor de la modernidad, abandonando su estilo convencional para formar parte del neo-impresionismo. Las escenas del mundo nocturno y los retratos casi caricaturescos de los personajes de la noche serán sus temáticas favoritas. Las influencias más notorias son la pintura de Degas, Whistler, la estampa japonesa y Paolo Ucello, creando un estilo personal y fácilmente identificable. Cuando se habla de Toulouse-Lautrec se debe hacer una referencia especial a Montmartre, lugar con cierta reputación de criminalidad y bohemia que acabaría convirtiéndose en el centro de ocio. En este barrio ya vivía Lautrec desde 1884 cuando compartía vivienda con los Grenier, ubicándose allí los templos de la noche: "Moulin de la Galette", el "Mirliton", "Le Chat Noir", "Moulin Rouge", "Folies Bergère", el circo "Fernando", el "Salon de la rue des Molins"... La relación del pintor con el "Moulin Rouge" será especial al convertirse en uno de sus mejores clientes e interpretar con suma precisión la "fauna nocturna" que se daba cita en el local con todo su elenco de estrellas: La Goulue, Jane Avril, Valentin le Desossé, Cha-U-Kao o Yvette Guilbert. El local adquirió el lienzo En el circo Fernando para decorar el hall de entrada y fue Lautrec quien diseñó el cartel publicitario del cabaret, sirviendo el vestíbulo del Moulin en numerosas ocasiones como sala de exposiciones para el artista. Como artista de vanguardia, Toulouse-Lautrec no será admitido en el Salón de París al considerar inaceptables sus obras, lo que llevará al maestro a buscar todas las vías alternativas posibles para que el público conociera su obra, incluso mediante ilustraciones en los periódicos. Sus trabajos serán expuestos en solitario, con los grupos de vanguardia o con sus amigos, como en el caso de Van Gogh. Pero posiblemente sean sus carteles y litografías el vehículo que más publicidad dio a su obra, enlazando con el deseo de anunciarse existente en la ciudad en aquellos momentos, surgiendo una amplia serie de estampas de gran belleza en las que parece anticiparse al modernismo. La relación de Toulouse-Lautrec con las mujeres será una de las facetas más interesantes de su vida. La primera relación conocida es de 1883, cuando contacta con una modelo de 17 años llamada Marie Charlet. Lily Grenier se baraja como un de sus amantes hasta que conoció a Suzanne Valadon, conviviendo por un periodo de dos años hasta que Suzanne intenta suicidarse al no querer Henri tener un hijo con ella. Varias amantes se suceden hasta que elige el anonimato de las prostitutas para establecer relaciones con ellas, llegando a habitar durante una temporada en el Salon de la rue des Molins. El mundo de la prostitución será uno de los favoritos para el artista, siempre visto con cariño y respeto, mostrando tanto su aspecto más íntimo como el conocido. El lesbianismo también será tratado por Henri de la misma manera, resultando obras colosales como Las dos amigas o L´Abandon. Su posición económica desahogada le permitió viajar en numerosas ocasiones, visitando Bruselas, Londres, Madrid o diversos puntos de la geografía francesa. A partir de 1893 se relaciona con los hermanos Natanson y el círculo de La Revue Blanche, contactando con la vanguardia literaria y trabajando como decorador para el mundo del teatro, retratando a los miembros más interesantes de este círculo artístico. La vida noctámbula y de crápula que llevaba Henri desde los 25 años motivaría su alcoholismo, sugiriéndose incluso que podría haber contraído la sífilis. En 1897 tiene lugar el primer ataque de "delirium tremens" que le llevará a disparar con un revólver a imaginarias arañas. Al año siguiente alquila una vivienda en el mismo edificio de su madre, preocupada por la salud de su hijo. En 1898 sufrirá un ataque de manía persecutoria al creerse perseguido por la policía, refugiándose en casa de un amigo. Cada vez bebe más y pinta menos. La crisis más grave se produce en 1899 al sucederse las manías, depresiones y neurosis, acentuadas por el traslado de su madre a Albi. Henri decide suicidarse con metileno en el prostíbulo de la rue des Molins siendo ingresado en un sanatorio durante una temporada. Su estado de salud será noticia y motiva la subida en el precio de sus obras. La familia de Lautrec duda de su recuperación y critica sus excesivos gastos por lo que se sugiere que alguien se haga cargo de él. El objetivo será alejarle del alcohol, admitiendo la presencia de un tutor al que burlará continuamente, modificando incluso su bastón de paseo al introducir un vaso y una botella de aguardiente que contravenía la prohibición. En octubre de 1900 se traslada a Burdeos, donde sufre un nuevo ataque en el mes de marzo del año siguiente, una hemorragia cerebral que le afecta las dos piernas. En abril decide ir a París para organizar sus papeles. El 15 de agosto, en Arcachon, sufre un derrame cerebral que le deja medio cuerpo paralizado. Su madre decide llevarle al castillo de Malromé, cerca de Burdeos, donde ella habita, falleciendo Toulouse-Lautrec en ese lugar el 9 de septiembre de 1901 a las dos y cuarto de la madrugada.

HENRI ROUSSEAU (Nueva lección de Historia del Arte)

Fri, 09 Feb 2007 05:20:24 GMT

HENRI ROUSSEAU

Henri Julien Félix Rousseau. Llamado "El aduanero Rousseau". ( Laval, 21 de Mayo de 1844 - † París, 2 de Septienbre de 1910). Célebre pintor francés, uno de los máximos referentes del genuino arte NAIF.

Obra

En su obra se destaca un carácter poético -pese a las intenciones "realistas" de H. Rousseau- y frecuentemente la búsqueda de lo exótico, el carácter ingenuo (naïf) que tipifica a sus cuadros se debe a su formación como autodidacta tanto como a la primacía de la imaginación sobre lo real.
Durante su servicio militar escuchó algunos exagerados relatos de soldados franceses que habían retornado de México tras la campaña impulsada por Napoleón III para imponer a Maximiliano I de Habsburgo como emperador de México. Los relatos exagerados hablaban de junglas repletas de bestias en las cuales se encontraban sensuales nativas siempre dispuestas a otorgar amor y sexo.

Aunque escuchar tales cuentos lejos parece haber estado de ser el factor decisivo de su obra, estos se trasuntan en la misma. La imaginación de H. Rousseau se encontró incentivada por el clima de

romanticismo imperante en su época (romanticismo que se exacervaba con el lento descubrimiento por parte de los europeos de nuevas "tierras vírgenes" y "primitivas"). por otra parte, las menestorisidades que padeciera en su adolescencia le llevaron a una evasión mediante los ensueños, ensueños que fueron positivos para su imaginación.
Su autodidactismo y su carácter soñador explican que desconociera en gran medida las técnicas compositivas y, en cambio, lograra una magistral y sugerente coloratura supeditada a su fantasía, una fantasía de idealista.
Rousseau frecuentemente desconoce u olvida las perspectivas y las proporciones, en él los claroscuros lejos están de dar una volumetría real o una impresión de carnadura real. Sus figuras dan casi siempre una impresión de "planas" y sin embargo son profundamente sugestivas, los colores de sus obras suelen ser netos y sin embargo armónicos; al óleo le suele dar una textura delicadamente satinada; si carece del dominio en las técnicas compositivas en cambio posee una gran destreza para la composición...siempre que no sea ésta realista.
Sus retratos tienen un aura de inocente -no buscada, y carente de malicia- caricatura. En 1866 -época en que pintaba principalmente retratos y escenas parisinas- expone invitado por los antiacademicistas en el Salon des Indépendants, el primer cuadro que expone es Soirés au carnaval (Velada en carnaval), es enntonces que recibe los elogios de Paul Gauguin, Georges Seurat , Félix Valloton -Valloton dice de las obras de H.Rousseau que son el Alfa y Omega de la pintura- y el crítico Wilhelm Uhde quien lo señala en su tratado Cinco grandes maestros primitivos (Rousseau, Bauchardt, Bondois, Séraphine, Vivies). Poco a poco Rousseau logra hacerse reconocer por pintores vanguardistas tales como André Derain o Henri Matisse; entabla amistad con Robert Delaunay, Guillaume Apollinaire y -bastante luego- con el español Pablo Picasso.
En 1905 Matisse elogia el cuadro de Rousseau titulado El león arrojándose sobre el antílope expuesto en la primera exhibición de los Fauves (ver fovismo).
En 1907 la madre de Robert Delaunay, Berthe, condesa de Delaunay le compra el cuadro El encantador de serpientes.
En 1908 Picasso encuentra a Rousseau intentando vender sus cuadros en las calles de París, Picasso ya bastante célebre reconoce el genio de Rousseau y le ofrece un banquete de homenaje (medio en broma medio en serio) en el atelier que el español poseía en Le Bateau-Lavois.

El encantador de serpientes (1907)

Combate de tigre y búfalo, 1891

Aproximadamente desde 1890 se observa una maduración en el lenguaje pictórico de H.Rousseau, su fantasía se potencia hasta casi llegar al surrealismo. Por ejemplo en La gitana dormida se ve a una mujer durmiendo plácidamente en medio de un exótico desierto mientras un león moviendo la cola la observa curiosamente, el paisaje y el león parecen ser el sueño de la sugestiva gitana. En El Sueño ocurre algo similar: aquí una mujer desnuda se encuentra recostada tranquilamente en medio de una lujuriante selva y en torno a la mujer asoman, impávidos, leones y otros animales feroces que parecen fascinados por la dulce calma que emana de la mujer. El encantador de serpientes presenta el mismo carácter: un personaje en las sombras de una selva transmite su tranquilidad surreal (suprarreal) a todo el cuadro.

Rousseau declaró que no tuvo otro maestro que la naturaleza, aunque admitió haber recibido algunos consejos de pintores academicistas (e incluso pompieristas) como Félix-Auguste Clement y Jean-Leon Gerôme, sin embargo lo que se destaca en Rousseau es la intuición.

Gran solitario, Rousseau solía frecuentar el Jardin des Plantes (botánico) parisino y colecciones de animales sometidos a la taxidermia.

Respecto a sus visitas al Jardin des Plantes expresó: "Cuando yo entro en los invernaderos y observo las plantas exóticas de tierras exóticas paréceme que ingreso en un sueño".

Otro elemento de inspiración eran las escenas fotografiadas en zonas pequeñas de la ciudad y los arrabales.

Rousseau declaró haber inventado un nuevo género de retrato-paisaje.

Su técnica habitual era el de capas de óleo, comenzando por los cielos y el fondo y concluyendo con la figuración de los personajes y animales. Dedicó mucho tiempo para pintar cada una de sus principales obras y por ende la cantidad de sus pinturas es relativamente escasa. Por limitaciones financieras sus pocos conocimientos teóricos se vieron aún más restringidos. En algunas pinturas suyas , ha repintado ciertas áreas (principalmente los follajes de "primer plano") motivo por el cual en la actualidad tales áreas se encuentran craqueladas (cuarteadas).

Las "junglas" son unas de sus temáticas favoritas, todas con una exuberante vegetación, vegetación casi totalmente inventada ( tal como lo demuestran las numerosas bananas que penden de las ramas de árboles completamente distintos a bananeros o a palmera alguna ); allí, en esas fantásticas junglas pone en escena combates feroces entre bestias y sus presas ó, por lo contrario, seres humanos tranquilamante, cuando no descansando o durmiendo, rodeados de fieras...también extrañamente calmas.
Se considera que la primera de sus "junglas" es ¡Sorpresa!, tigre durante una tempestad (1891), aquí logra una vía innovadora con una luz brillante que parece atravesar las pinceladas de gris claro sesgadas sobre el lienzo.
Cuando pintó "junglas" llegó a usar unas cincuenta tonalidades de verde. Generalmente el acabado de la superficie es con un "glaseado", una suerte de satinado, y/ó un barnizado sabiamente dispuesto que le aporta un brillo mesurado a la obra.

Sus paisajes destacan las vegetaciones con un aire atemporal; representan lugares que el frecuentaba (por ejemplo las orillas del río Oise). Cuando Henri Rousseau representa paisajes urbanos estos se hallan recargados de detalles relacionados con el progreso técnico de su época: aerostatos, dirigibles, postes de telégrafo, aviones biplanos etc.

EXPOSICIÓN pa los que viven o pasean por MADRID

Fri, 09 Feb 2007 04:43:27 GMT

J. Miró Retrato

Vincent van Gogh
Autorretrato, 1887
Wadsworth Atheneum Museum of Art, Hartford, CT.

Rostros e identidades

"El espejo y la máscara. El retrato en el siglo de Picasso" aborda, a través de la mirada de más de medio centenar de artistas y 145 obras, la transformación que este género ha sufrido a lo largo del siglo XX. El Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid se han unido una vez más para llevar a cabo este ambicioso proyecto que, a lo largo de diez apartados, plantea un recorrido cronológico y temático por los principales movimientos y personalidades del arte contemporáneo que han tratado la representación de la figura humana.

Del 6 de febrero al 20 de mayo de 2007 en el Museo Thyssen-Bornemisza y en la Fundación Caja Madrid, Madrid

Pablo Picasso
Mujer en azul sentada en un sillón (Françoise), 1949
Colección privada

. no os la perdáis .. pa que me cuénten !!

L'anna

artefactos ..nicanor parra

Wed, 07 Feb 2007 17:16:06 GMT

.. Enlaces a los artefactos

Artefactos,
por Nicanor Parra

A la manera del señor Corales,
de Chistes paRRa desorientar a la policía/poesía (pliego en caja con postales; textos de Nicanor Parra y gráfica de diveros artistas plásticos chilenos)

Nicanor Parra, el poeta chileno vivo con mayor proyección universal y uno de los escritores de lengua española con mayor prestigio, presenta por primera vez en público en la Fundación Telefónica la práctica totalidad de su obra visual que plantea una original intersección de palabra, imagen y objeto mediante los que, desde el eslogan y el antipoema, agrupados ahora en antiinstalación, realiza una crítica a la actual cultura consumista de Occidente.

Link to ANDRÓMEDA

Artefactos par(R)a despistar a la Poesía

Wed, 07 Feb 2007 00:07:04 GMT

GUERNICA

Wed, 31 Jan 2007 19:42:46 GMT

Link to ANDRÓMEDA

Guernica es el nombre de un famoso cuadro de Pablo Picasso, que tiene como motivo el bombardeo de Guernica. El Gobierno de la República Española encargó a Picasso un cuadro que decorara el Pabellón Español durante la Exposición Internacional de 1937 en París. Picasso realizó un cuadro cubista expresando su visión del bombardeo y lo llamó Guernica. Ha pasado a ser una obra fundamental.

Empezó el 1 de mayo de 1937, el 8 de mayo se introdujo la madre y el caballo y el 11 de mayo empezó en el lienzo definitivo hasta el 4 de junio.

El Guernica de Picasso muestra personas, animales y edificios destrozados por la violencia y el caos generados por las bombas. Para muchos, este cuadro encierra la inhumanidad, brutalidad y crueldad de la guerra.

La austeridad cromática conviene al tema del cuadro. La primera imagen que Picasso recibió del bombardeo fue a través de los periódicos franceses, lo que propicia la teoría de que interiorizó el horror que ello supuso, reflejándolo con tonos negros y blancos.

Su composición dispone las figuras a modo de friso de templo griego, con un encuadramiento triangular de las mismas. La marcada diagonal de la mujer de la parte inferior izquierda empuja la mirada del espectador de derecha a izquierda, acabando en el quinque y la bombilla superiores.

Actualmente se encuentra en exposición permanente en el museo Reina Sofía en Madrid, España.

Bombardeo de Guernica

El Bombardeo de Guernica fue el ataque aéreo realizado el 26 de abril de 1937 por la Legión Cóndor contra la población vasca de Guernica durante la Guerra Civil Española. Aunque no fue el primer bombardeo de la historia en que una población civil fue atacada con el aparente propósito de producir su destrucción total, su repercusión ha hecho que sea mundialmente conocido

El bombardeo

Guernica, capital cultural e histórica vasca, tenía antes del ataque una población de unas 5.000 personas, a las que habría que añadir un gran número de tropas que se retiraban para preparar la defensa de Bilbao y refugiados que huían del avance nacionalista. En ese momento no tenía ningún tipo de defensa antiaérea, aunque sí tenía tres fábricas de armas, una de ellas de bombas de aviación.

La Legión Cóndor tenía como, Jefe de Estado Mayor al teniente coronel Wolfram von Richthofen, el cual al parecer ordenó el bombardeo.

Richthofen, era primo del aviador alemán de la PGM Manfred von Richthofen, el Barón Rojo.

El grupo de bombardeo estaba formado por tres escudrillas de Ju-52 y una escuadrilla con Heinkel He 111, Dornier 17, y durantre el bombardeo fue escoltado por He-51 y Me-109

Al parecer, también cierto número de aviones de caza italianos, participaron en la misión.

El ataque empezó a las cuatro y media de la tarde. Aunque posteriormente se dijo que el objetivo de la operación, era la simple voladura de un puente, el hecho real es que tanto el puente como una fábrica de armas, situada en las afueras de la población, resultaron intactos.
Sin embargo, el ataque fue devastador, los bombarderos lanzaron una gran cantidad de bombas de 550 lb, y más de tres mil proyectiles incendiarios de aluminio de 2 lb sobre el casco urbano de la ciudad. Los cazas, entretanto, disparaban en vuelo rasante a las tropas que huían del lugar. Los bombardeos venían en oleadas, y la destrucción fue tan grande que al cabo de dos horas los pilotos bombardeaban a ciegas, al ocultar el humo la ciudad. A las siete y media de la tarde terminó el ataque, no pudiéndose apagar totalmente el incendio hasta el día siguiente.

Consecuencias del ataque

Imagen:Bombardeig de Gernika.jpg

Nunca ha llegado a haber cifras oficiales de víctimas, pero dada la magnitud del ataque, se estima que pudieron ser entre 250 y 300 los muertos, no hay datos fiables sobre el numero exacto. Tres cuartas partes de los edificios de la ciudad fueron totalmente destruidos por el incendio que no se pudo apagar hasta el día siguiente, y el resto muy afectados. Los lugares culturales vascos, la Casa de Juntas de Guernica (histórico lugar de reunión de las asambleas que regían Vizcaya y sede de su archivo histórico) y el anexo Árbol de Guernica, símbolo ancestral del pueblo vasco, no fueron afectados por el bombardeo. El cercano puente que se afirmó luego era el objetivo quedó intacto.

Motivación del ataque

La Legión Cóndor era la encargada de llevar a cabo misiones aéreas por toda España, como apoyo de la Alemania nazi a las tropas de Franco y, al parecer, el objetivo del bombardeo fue simplemente aterrorizar a la población civil y desmoralizar al bando republicano.

El ejército alemán utilizó los efectos del bombardeo como arma política en la guerra fría que mantenía con Inglaterra y les interesó que la prensa mundial exagerase los resultados. Así, Guernica habría sido una especie de ensayo de lo que luego sería la Segunda Guerra Mundial. En los juicios de Nuremberg, el entonces mariscal de la Luftwaffe, Hermann Goering declaró: "La guerra civil española dio una oportunidad de poner a prueba a mi joven fuerza aérea, así como para que mis hombres adquirieran experiencia".

Se suele afirmar que el bombardeo fue una venganza por el linchamiento por parte de la población civil, de un piloto de un bombardero, derribado en 1937,algo que carece de fundamento.

La publicidad franquista afirmó que Guernica, como Irún, había sido incendiada por los propios republicanos en su huida (practicando una política de tierra quemada); pero varios corresponsales extranjeros, entre ellos George Steer, del diario conservador británico The Times, tuvieron ocasión de presenciar el ataque, y ser testigos de la devastación.
También se ha afirmado que los bomberos de Bilbao fueron muy tarde y apenas intervinieron por falta de operativos, lo que habría agravado los daños.

Importancia simbólica

El bombardeo de Guernica se ha convertido en un símbolo de los horrores de la guerra para todo el mundo. El hecho tuvo un gran impacto en su época, inspirando a Pablo Ruiz Picasso su más famoso cuadro, el Guernica.

La mera discusión de cifras sobre el bombardeo, desde el número de aviones que intervinieron, la cantidad de bombas que se lanzaron y otros aspectos del bombardeo generan polémica, precisamente porque este hecho histórico fue utilizado con fines propagandísticos por ambos bandos desde su planeamiento hasta las controvertidas, divergentes y muchas veces interesadas versiones de su historia que se pueden leer hoy en día.

... querido y ausente / JOSÉ SANTOS CHÁVEZ

Sat, 09 Dec 2006 21:13:18 GMT

Homenaje a Santos Chávez

A cinco años de la muerte del connotado artista mapuche José Santos Chávez, más de un centenar de exponentes indígenas de todo Chile recordaron ayer en el contexto de la Bienal Indígena, el valor de su obra a través de la exposición “Grito Geográfico”.

El Premio Grace en 1968 en Chicago, la Mención de Honor en la Casa de las Américas de Cuba el mismo año y el Altazor en Chile el 2001, son algunos de los reconocimientos que obtuvo el artista.

Santos Chávez alcanzó reconocimiento internacional con sus grabados de técnica poco tradicional en madera nativa. Plasmó toda una simbología onírica, propia del los mapuche, que sumado a la nobleza propia de la madera, naturalmente unida al poder de la tierra y el bosque, entregó a su obra un sello muy particular.

Para Lorena Lemungier, artista visual mapuche, “los artistas indígenas contemporáneos se han visto siempre en un nivel folclórico, pero Chávez logró trascender las fronteras y el concepto de lo indígena como folclor, al dar cuenta de su identidad, desde un óptica muy especial, como es la de sus sueños, un sello totalmente mapuche”.

VOLANDO VA - HACIA DONDE SEA QUE ESTÉS, FORMANDO PARTE DEL UNIVERSO MARINO - UN BESO PARA TI. ... L'ANNA

HUMORADA .. con ARTE

Fri, 01 Dec 2006 15:52:39 GMT

Me acaba de llegar una fantástica noticia-invitación, por lo que les hago una propuesta des.honesta

Qué les parecería si nos fuésemos a Santa María de los Buenos Aires la semana que viene a acompñar a la pequeña Kaelí en su 1ª Exposición Internacional de Pintura ( under, me imagino) y lo celebramos en GRANDE - como ameritaría la ocasión - por esas callecitas de Buenos Aires, que ya sabemos que tienen un no se qué .. viste?, los cafetines, el Tortonni, las Galerias de Arte, los amigos queridos .. (ejem !!), y esos vinos que están cada día mejor, una porteña y arrabalera tanguería .. y que se cho que más; lo que se nos ocurriese

Generosamente me ofrezco de guía y les aseguro que lo pasaríamos CHANCHO !!, yo tengo piso en barrio Norte en lo de los Mariash, mis "com-padres" (poco judaico éso ) ... ETC. Es puro cosa de tener ganas y algunos pocos maravedíes o dinares , dá lo mismo ya que está re barato para nos, los chilensis.

- Qué dijo el otro ??

Se reciben respuestas telefónicas - no de cobro revertido ¡¡ por favor !! - a la brevedad posible.

Mando copia de la invitación pa que no crean que es "Chiva" mía, para pegarme el brinco a la cordillera de los Andes

¡¡ la nena se las trae !!

Por si acaso no pasa nada con lo propuesto : Kaelí, un abrazotote , mira que este es solo el primer peldaño en este tu oficio de "pintamonos" - título que se dá a si mismo mi ex husband José - alias el Pepe y jodé - así es que no se lo tome en la peyorativa niña bonita. Estás empezando a desenrollar el carrete y éste tiene muuuucho hilo. Eres buena creadora . Todavía estoy picada porque le vendiste la pintura por mi elegida a la 100-fuegos ... pero bué ya pintarás una muy especial para mí.

Te quiero bella pequeña

Aquï van las buenas vibras de L'anna ... todas para ti.

¡¡ BUENA SUERTE !!

UN REGALO

Mon, 20 Nov 2006 20:13:11 GMT

LEONARDO DA VINCI SANDRO BOTTICELLI

ROSTROS

ALPHONSE MUCHA, PINTOR CHECO / ART NOUVEAU / BIOGRAFÍA

Sun, 15 Oct 2006 06:54:53 GMT

ALPHONSE MUCHA

24 de julio de 1860 - 14 de julio de 1939

POESÍA

Retrato

Alfons Maria Mucha 24 de julio de 1860 - 14 de julio de 1939)fue un pintor y artista decorativo checo, ampliamente reconocido por ser uno de los máximos exponentes del Art Nouveau.

Biografía

Nació en la ciudad de Ivancice, Moravia. Sus habilidades para el canto le permitieron continuar su educación secundaria en Brno, capital de Moravia; sin embargo desde niño se sintió principalmente atraído por el dibujo. Trabajó en empleos de pintura decorativa en Moravia, mayoritariamente para puestas teatrales. En 1879 se mudó a Viena para trabajar con una compañía vienesa de diseño teatral logrando de ese modo completar su educación artística. Cuando en 1881 un incendio destruyó el negocio de sus empleadores, retornó a Moravia, trabajando de manera independiente, haciendo pinturas decorativas y retratos. El Conde Kart Khuen de Mikulov lo contrató para decorar con murales el Castillo de Hrusovany Emmahof, quedando tan gratamente impresionado que acordó apadrinar el aprendizaje formal de Mucha en la Academia Munich de Finas Artes.

Sarah Bernhardt

Mucha se mudó a Paris en 1887 y continuó sus estudios en la Académie Julian y en la Académie Colarossi, produciendo al mismo tiempo ilustraciones para revistas y publicidades. Su salto a la fama lo logro con su primer cartel litográfico para la actriz Sarah Bernhardt y su Théâtre de la Renaissance, el cartel anunciaba la obra Gismonda de Victorien Sardou, apareció en los primeros días de enero de 1895 en los muros de Paris, y causo una autentica sensación. Sarah Bernhardt ofreció inmediatamente a Mucha un contrato de exclusividad por seis años. Los carteles realizados para ella contribuyeron a difundir la fama de la actriz más allá de las fronteras de Francia. Hasta 1901, Mucha no solo fue responsable de los carteles publicitarios, sino también de las escenografías y los vestuarios del Théâtre de la Renaissance. Fue esta obra, con su estilo exuberante y estilizado lo que le dio tanto fama como numerosas comisiones.

Otros carteles famosos para el Théâtre de la Renaissance son:

La Dame aux camélias (1896)
Lorenzaccio (1899)
La Samaritaine (1897)
Médée (1898)
Hamlet (1899)
Tosca (1899)¨

Cuando Mucha visito Estados Unidos fue reclutado por la excéntrica actriz Leslie Carter, quien trato de superar el lujo y la ostentación de las obras de teatro de Sarah Bernhardt, lo que finalmente la llevo a la ruina. El formato y la configuración de los carteles eran parecidos a los hechos para el Théâtre de la Renaissance antes de 1900, con una influencia de las alhajas creadas para Georges Fouquet.

El joyero Georges Fouquet

Otra etapa del recorrido artístico de Mucha son las creaciones para la serie de alhajas realizadas por el joyero parisino Georges Fouquet siguiendo los diseños de Mucha. A Fouquet le llamaron la atención los adornos con los que Mucha engalanaba a las mujeres de sus carteles y paneles, reproducidos con gran lujo de detalles, también en sus propiedades materiales. Fouquet presento una colección de joyas realizadas sobre diseños de mucha en la Exposición Universal de Paris de 1900, en esta prevalecía las reminiscencias orientales y bizantinas. Además diseño los interiores de la Joyería de Fouquet. Mucha renuncio mas tarde con el objeto de alcanzar grupos mas amplios de compradores para sus obras.

Obra

Mucha produjo una gran cantidad de pinturas, pósteres, avisos e ilustraciones así como diseños para joyería, alfombras, empapelados y decorados teatrales en lo que se llegó a conocerse como el estilo Art Nouveau. Los trabajos de Mucha frecuentemente introducían mujeres jóvenes, hermosas y saludables, flotando en atuendos vagamente neoclásicos, frecuentemente rodeadas de exuberantes flores las que a veces formaban halos detrás de sus cabezas. Este estilo fue imitado con frecuencia. De todos modos, Mucha intentó distanciarse de tal estilo a lo largo de su vida, insistiendo que más que adherir a cierto estilo en boga, sus pinturas se originaban en su propia inspiración. Declaró que pensaba que el arte existía para transmitir un mensaje espiritual y nada más; de allí su frustración por la fama que logró a través de un arte básicamente comercial. Por ende siempre quiso concentrarse más en proyectos elevados que ennoblecieran el arte y su lugar de nacimiento. Mucha visitó los Estados Unidos entre 1906 y 1910, retornando luego a tierras checas para establecerse en Praga, donde decoró el Teatro de las Finas Artes así como otros lugares distintivos de la ciudad.

Las cuatro Estaciones

1896

1900

Cuando Checoslovaquia ganó su independencia, luego de la Primera Guerra Mundial, Mucha diseñó estampillas, notas bancarias y otros documentos gubernamentales para la nueva nación. Pasó muchos años trabajando en lo que consideró su obra maestra, La Épica Eslava (Slovanská epopej), una serie de enormes pinturas que describen la historia de los pueblos eslavos, que fueron donadas a la ciudad de Praga en 1928. Mucha había soñado con completar esta serie, una celebración de la épica eslava, desde su juventud. Con el estallido de la Segunda Guerra Mundial, Mucha fue arrestado y cuestionado por los ocupantes alemanes. Nunca se recuperó de la tensión de este evento, ni de ver su hogar invadido y vencido. Murió en Praga el 14 de julio de 1939, a consecuencia de una pulmonía y allí fue enterrado, en el cementerio de Vysehrad. Su ultima pintura fue El juramento de union de los eslavos.

Al tiempo de su muerte, el estilo de Mucha se consideraba ya pasado de moda, pero el interés por su arte revivió en la década de 1960, y continúa experimentando interés de manera periódica desde entonces, influenciando a ilustradores contemporáneos. Gran parte del interés en el trabajo de Mucha puede ser atribuido a su hijo, el autor Jiri Mucha, quien escribió extensamente sobre su padre y dedicó gran parte de su vida a llamar la atención hacia las obras de aquel.